Ivald Granato

Nascido em Campos de Goytacazes – RJ, em 1949, foi um artista plástico, artista performático e escultor brasileiro. Viveu em sua cidade natal até 1966, onde começou a desenhar desde muito cedo sob influência dos pintores cubistas. Ingressou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro em 1967. Na década de 1970 e 80 apresentou diversas performances e intervenções, recorrendo ao vídeo e à fotografia para documentá-las. Sua obra também é composta por telas e litografias e é autor de vários livros. Em 1970, viajou pela América Latina para estudar cores. Em 1979 recebeu da Associação de Críticos de Arte o prêmio de Melhor Desenhista. Viveu e trabalhou em São Paulo. Em 2002, o artista foi homenageado pelo Troféu Folha Seca, prêmio anual dado pela Folha da Manhã a campistas que se destacam em suas carreiras. Ivald Granato morreu na madrugada do dia 3 de julho de 2016, enquanto dormia, vítima de uma parada cardíaca.

Eduardo Sued

Natural do Rio de Janeiro, (1925) é um pintor, gravador e desenhista brasileiro. O artista não se vincula a nenhum movimento específico. Sua carreira teve uma breve etapa pautada no figurativismo, mas logo se encaminha para abstração geométrica. Tende a ser classificado atualmente como “concretista” ou “construtivista”. Cursou a Escola Nacional de Engenharia, no Rio de Janeiro, de 1946 a 1948, não concluindo o curso. No ano seguinte estudou desenho e pintura com Henrique Boese, também no Rio. Entre 1950 e 1951, trabalhou como desenhista no escritório do arquiteto Oscar Niemeyer (1907). Em 1951 recebe, através da embaixada francesa, a bolsa Étudiant Patronné e viaja para Paris, onde frequenta as academias La Grande Chaumière e Julian. Em sua estada na capital francesa, entra em contato com as obras de Pablo Picasso, Joan Miró, Henri Matisse e Georges Braque. Retorna ao Rio de Janeiro em 1953. Para estudar gravura em metal, freqüenta o ateliê de Iberê Camargo, de quem, mais tarde, se torna assistente. Leciona desenho e pintura na Escolinha de Arte do Brasil, em 1956, e na Escola Hebraica do Rio de Janeiro. No ano seguinte, transfere-se para São Paulo, onde ministra aulas de desenho, pintura e gravura na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), de 1958 a 1963. Em 1964, volta a morar no Rio de Janeiro e publica o álbum 25 Gravuras, que se constitui de águas-fortes – processo químico de gravação sobre chapa metálica. Nos anos 1970, aproxima-se das vertentes construtivistas, desenvolvendo sua obra a partir da reflexão acerca de Piet Mondrian e da Bauhaus. Nessa época (de 1974) até 1980, ministra aulas de gravura em metal no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM/RJ. Dos trabalhos figurativos do início da carreira, passa às colagens e pinturas, cujo rigor e requinte na construção cromática apareceriam principalmente nos anos 1980. Na década de 1990, a pincelada, antes imperceptível, torna-se marcada, descontínua, demonstrando que o caráter construtivo parte da forma, passa pela cor e atinge a realização pelo gesto. Realizou diversas exposições individuais: no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1982), Paço Imperial (1992), Museu Nacional de Belas Artes (1994) e no Centro de Arte Hélio Oiticica (1998). Participou de coletivas no Brasil e no exterior, incluindo a Bienal de São Paulo e a Bienal de Veneza. Segundo Ronaldo Brito, a pintura de Sued se constrói “rigorosa e articulada. Espaço e cor resultam de um pensamento cerrado – variações mínimas, cálculos e compatibilidades quase infinitesimais garantem a identidade indiscutível de cada tela.”

Bárbara Xumaia

Bárbara Elizabeth Schulmayr Guzzi, berlinense, radicada no Brasil, representa o encontro da estética da arte naïf com a paixão de uma artista pelo país. Residente no Brasil desde os seus vinte anos de idade foi a experiência em sala de aula, como professora de crianças, que desenvolveu o seu lado intuitivo, mágico e sensível, característicos nas pinturas desta arte. Como no histórico de muitos artistas que foram influenciados por essa corrente das artes, Xumaia, mesmo sendo“autodidata” desenvolveu o rigor e aprimorou o olhar para o artesanal, estudando a técnica da ilha de Java (Indonésia) batik, – tingimento em tecido artesanal com o mestre Toyota. Apresenta temas recorrentes como o povo brasileiro, as paisagens, lugares apaixonantes e festas típicas, como o São João e o Carnaval, em um painel alegórico das possibilidades de brasis. “Fui muito bem recebida em minha chegada ao Brasil. A simplicidade do povo, sua natureza inesgotável me trouxeram a vontade de pintar. A escolha de pintar em naïf não foi planejada, foi ocasional, mas sem dúvida, me permitiu absorver as cores e as formas dos trópicos”, relata a artista plástica Bárbara Xumaia. Com exposições pela África do Sul, EUA, Alemanha e Japão, a artista, versátil, já produziu artesanato e desenhos para grandes marcas. procurara expressar suas visões do mundo, por meio de cores primárias explosivas, simplicidade no lugar de sutileza e o não compromisso permitindo ao estilo uma aproximação com um universo que se aproxima das artes populares

Antonio Poteiro

Antônio Batista de Sousa, mais conhecido como Antônio Poteiro, foi um escultor português, ceramista e pintor que foi para o Brasil com um ano de idade. É considerado um dos mestres da pintura primitiva brasileira. Em 1958, já com sua família constituída, passou a viver definitivamente em Goiás. Adotou o apelido de “Poteiro”, por sugestão da folclorista Regina Lacerda, que o orientou a assinar seus bonecos de barro. Mais tarde é estimulado a pintar telas por Siron Franco e Cleber Gouvêa. Expôs seus trabalhos em mostras no Brasil e no exterior. Durante sua trajetória artística, o artista recebeu muitos prêmios e homenagens de entidades públicas e privadas, em reconhecimento por suas contribuições à arte e à cultura goiana e brasileira vindo a falecer em 08 de junho de 2010, aos 84 anos.

Antonio Peticov

Natural de Assis, 2 de julho de 1946 é um pintor, desenhista, escultor e gravurista brasileiro. Autodidata, aos doze anos de idade teve a certeza de que queria trilhar o caminho das artes. E, para alcançar seu objetivo, buscou informações em livros e revistas. Sua formação artística se constitui a partir de pesquisas pessoais sistemáticas em história da arte e pela sua integração aos movimentos artísticos de vanguarda na segunda metade da década de 60. Especializou-se em Geometria Sagrada e na Seção Áurea imprimindo ao seu trabalho um forte caráter matemático. Em 1970 mudou-se para Londres, onde ampliou seus estudos. No ano seguinte, transferiu residência para Milão e, em 1986, mudou-se novamente, desta vez para Nova Iorque, só retornando ao Brasil em 2000. Ao longo de sua carreira seu trabalho foi difundido mundialmente através de capas de discos e de livros assim como calendários, cartões postais e posters, geralmente associado às suas mostras. Especializou-se em Ladrilhamento Periódico e Aperiódico possuindo a maior coleção de jogos matemáticos – quebra cabeças – do Brasil. A sua produção é diversificada e segue tendências variadas das vanguardas artísticas internacionais das últimas décadas. Fez instalações ambientais e murais na Italia, Suiça, Estados Unidos e no Brasil. Dentre eles: Balli Ballet (1982), em Cloudwalk Farm, Connecticut (Estados Unidos) e a escultura The Golden Wall (1988), em forma de grande espiral, em homenagem à cidade de Aiuruoca (Minas Gerais). Faz, no Rio de Janeiro, em 1986, a instalação Sete Anéis. Em 1983 instala “The Big Ladder”, em frente ao Coliseum, em New York. Em 1989, apresenta o Projeto Natura – Rio Pinheiros na 20ª Bienal Internacional de São Paulo e, em 1992, o Projeto Bosque Natura no Rio de Janeiro. Entrega à cidade, em novembro de 1990, o mural “Momento Antropofágico com Oswald de Andrade” na estação Republica do Metrô de São Paulo. Em 1995 entrega à cidade a torre Transburti e outros três murais na estação Santo Amaro da CPTM. Executou posters e capas de livros e discos para os mais variados eventos e artistas, tanto no Brasil como no exterior. Foi presidente da Cooperativa dos Artistas Visuais do Brasil entre 2003 e 2007. É membro da North American Lewis Carroll Society e é um dos “Friends of Martin Gardner” participando, desde 1999, do G4G (Gathering for Gardner). Fundou e dirigiu o NAC – Núcleo de Arte Contemporânea – em São Paulo, entre 1999 e 2006. Em 2016, ao completar 70 anos, abre o Instituto de Arte e Cultura Antonio Peticov.