Eduardo Sued
Natural do Rio de Janeiro, (1925) é um pintor, gravador e desenhista brasileiro. O artista não se vincula a nenhum movimento específico. Sua carreira teve uma breve etapa pautada no figurativismo, mas logo se encaminha para abstração geométrica. Tende a ser classificado atualmente como “concretista” ou “construtivista”.
Cursou a Escola Nacional de Engenharia, no Rio de Janeiro, de 1946 a 1948, não concluindo o curso. No ano seguinte estudou desenho e pintura com Henrique Boese, também no Rio. Entre 1950 e 1951, trabalhou como desenhista no escritório do arquiteto Oscar Niemeyer (1907).
Em 1951 recebe, através da embaixada francesa, a bolsa Étudiant Patronné e viaja para Paris, onde frequenta as academias La Grande Chaumière e Julian. Em sua estada na capital francesa, entra em contato com as obras de Pablo Picasso, Joan Miró, Henri Matisse e Georges Braque.
Retorna ao Rio de Janeiro em 1953. Para estudar gravura em metal, freqüenta o ateliê de Iberê Camargo, de quem, mais tarde, se torna assistente. Leciona desenho e pintura na Escolinha de Arte do Brasil, em 1956, e na Escola Hebraica do Rio de Janeiro.
No ano seguinte, transfere-se para São Paulo, onde ministra aulas de desenho, pintura e gravura na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), de 1958 a 1963.
Em 1964, volta a morar no Rio de Janeiro e publica o álbum 25 Gravuras, que se constitui de águas-fortes – processo químico de gravação sobre chapa metálica.
Nos anos 1970, aproxima-se das vertentes construtivistas, desenvolvendo sua obra a partir da reflexão acerca de Piet Mondrian e da Bauhaus. Nessa época (de 1974) até 1980, ministra aulas de gravura em metal no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM/RJ.
Dos trabalhos figurativos do início da carreira, passa às colagens e pinturas, cujo rigor e requinte na construção cromática apareceriam principalmente nos anos 1980.
Na década de 1990, a pincelada, antes imperceptível, torna-se marcada, descontínua, demonstrando que o caráter construtivo parte da forma, passa pela cor e atinge a realização pelo gesto. Realizou diversas exposições individuais: no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1982), Paço Imperial (1992), Museu Nacional de Belas Artes (1994) e no Centro de Arte Hélio Oiticica (1998). Participou de coletivas no Brasil e no exterior, incluindo a Bienal de São Paulo e a Bienal de Veneza.
Segundo Ronaldo Brito, a pintura de Sued se constrói “rigorosa e articulada. Espaço e cor resultam de um pensamento cerrado – variações mínimas, cálculos e compatibilidades quase infinitesimais garantem a identidade indiscutível de cada tela.”
Descrição do Item
Artista plástico, pintor, gravador e desenhista.
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Paula Kadunc
Maria Paula Kadunc, nasceu em São Paulo no ano de 1954. Seus primeiros estudos de arte tiveram início ainda na época do colégio onde frequentou um curso clássico de arte e comunicação. Formou-se em história em 1975 e nos anos seguintes realizou viagens de estudo por toda a Europa, Japão, China e Filipinas com intuito de conhecer o maior número de museus. No início da década de 80 trabalha no Museu de Arte de São Paulo como assessora de imprensa e relações públicas auxiliando ainda na curadoria de diversas exposições. Juntamente com a arquiteta Bya Barros abre um antiquário onde organiza leilões de arte com Luiz Arena. A partir dessa época realiza experiências e estudos sobre arte geométrica. Na década de 90 dirige a Galeria Reflexus trabalhando com inúmeros artistas brasileiros e paralelamente frequenta o atelier do escultor Paulo Tadee onde trabalha com desenhos e pinturas geométricas e passa a fundir esculturas em bronze. Após estudar técnica de pintura com Marysia Portinari, a partir de 2001 inicia uma série de acrílicos sobre tela, seguindo sempre sua tendência geométrica. Tem participado com suas obras de várias exposições coletivas e leilões de arte e possui obras em diversas coleções particulares e no Museu de Arte do Parlamento de São Paulo.
Neno Ramos
Evolução! Eis um tema recorrente no trabalho deste artista paulistano que vem ganhando o mundo. Arquiteto de formação, Neno Ramos, cujo nome é Washington, começou a pintar profissionalmente em 1994, e desde então vem pesquisando materiais e desenvolvendo técnicas que repaginam e reinventam a pop art. Ele trocou as retículas de banday, muito utilizada na pop art, criando seu próprio padrão de retículas, utilizando corações, maçãs mordidas, estrelas, beijinhos e bolinhas, aproveitando-se até de uma quebra de sua TV para criar o padrão de listas coloridas. Com um lado lúdico apurado, tem seu trabalho baseado em ícones, em imagens fotográficas e do cotidiano. Ao longo de sua carreira se sobressaiu com novas técnicas e com o desenvolvimento de temas ousados e inusitados, foi apontado como um dos cinco artistas de destaque – entre mais de 700 – com a recomendação Regard Sur.
Juarez Machado
Juarez Busch Machado, nasceu em 1941 na cidade de Joinville, no estado de Santa Catarina, Brasil. Estudou na School of Art, no estado do Paraná, na cidade de Curitiba, e participou ativamente no movimento artístico. Em 1966 fixou residência no Rio de Janeiro, intensificando suas atividades. Além da pintura ele também se interessou em cenografia, ilustração, escultura, desenho e gravura. Ele recebeu vários prêmios em galerias brasileiras e de outros prêmios internacionais, foi viver em Paris desde 1986 e tem com frequência suas obras expostas na Europa e nos EUA. É o artista das cores fortes e contrastantes. Pintor multifacetado passeia pela pintura (inconfundível), pelo desenho, escultura, fotografia, teatro e mímica, ousado, alegre, extravagante e bon vivant! É um artista de peso e de conceito, com inúmeras exposições espalhadas pelo mundo. É o Brasil vivo, lá fora com suas obras inconfundíveis e ricas em detalhes
Inos Corradin
Nasceu em Piemonte, na Itália. Estudou em Castelbaldo com o mestre Tardivello e, ao se mudar em 1950 para o Brasil, fixou-se em Jundiaí. Antes de São Paulo, o pintor passou pela Bahia, onde, segundo estudiosos, deu mais leveza a sua obra, como conseqüência da “doçura baiana”. Lá conviveu com Jorge Amado, Carybé e Mario Cravo Júnior. Desde 1952 participou de mostras coletivas como o Salão Paulista de Arte Moderna e o Salão Nacional de Arte Moderna e, entre 1954 e 1955, dedicou-se à cenografia. Já expôs individualmente na Itália, Israel, Alemanha, Suíça, Estados Unidos, Argentina, Uruguai, Holanda e Canadá, além de, naturalmente, em várias cidades brasileiras. É pintor de paisagens, figuras e naturezas-mortas, praticando uma arte jocosa e humorada, tendendo à estilização e com bons recursos cromáticos. “Sua trajetória ao longo desses mais de 50 anos, o situa entre os grandes artistas brasileiros da atualidade. Em suas obras sempre a marca registrada de um estilo e uma linguagem peculiar que nos permite identificar: Inos” ” C. Fasan SALÕES E PRÊMIOS: 2008 – Exposição ” 50 anos de Pintura de Inos Corradin” na Câmara dos Deputados, Brasilia -Brasil Obras em acervos: Banco Itaú, Banco Safra, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo e Bolsa de Mercadorias e Futuros de São Paulo. 2004 – Lançamento de Livro “Silvio Oppenheim” editado pelo Instituto Cultural Banco Santos com exposição na Pinacoteca do Estado. 2002 – Show Room Giroflex, São Paulo 1999 – Mostra Rio Gravuras Hoje, Rio de Janeiro 1998 – Participa de Salão de Arte em Bologna, Itália, Strasbourg – França e Bruxelas – Bélgica ”Prêmio “Mastea d’oro per la pittura. Campagnola di Brugine – Padova – Itália. 1997 – “Prêmio Europa per la pittura” – Santhià (Vc) – Itália. 1997/96/95 – Participa de Três Salões Internacionais de Arte em Padova – Itália 1995 – Convidado na “Biennalle da Coréia do Sul – TAE – GU Biennale; Prêmio Quadriennale di Ferrara – Itália 1994 – Prêmio “Pittura” Della Versilia – Artisti Montignosso – Região Toscana – Itália Prêmio pittura internazionale “EtruriArte”,Apt di Livorno. Venturina(Li) Italia 1990 – Participação no Prêmio Europa Unita, em Vercelli – Mostra Nazionale di Pittura. 1979 – “Prêmio Quadrivio 1979″ per la pittura – Rovigo – Itália. 1978 – Feira Artística Internacional, Tel-Aviv – Israel 1976 – Prêmio Cavino Di Natale 76 – Gallerie Trevigiane La Cave 1º Prêmio Cavino D’Oro, Treviso – Veneto – Itália. 1975 – Prêmio Internacional – Parigi Sud.- Salão de Paris – França 1968 – Participação no Salón Gutierrez Yaguard – Córdoba – Argentina – Museu de Arte Moderna (SalónDe Grabados Y Sus Derivados), Buenos Aires – Argentina. 1967 – Participação no Salão Paulista 1955 – Participação no Salão Nacional de Arte Moderna – Salão Paulista 1952 – Participação no II Salão Paulista de Arte Moderna, São Paulo – Brasil Participação no Salão Nacional de Arte Moderna, Rio de Janeiro – Brasil
Gilvan Nunes
Nascido em uma fazenda de Vermelho Novo, interior de Minas Gerais, o artista radicado há 25 anos no Rio de Janeiro, tem, por conta de suas raízes, uma ligação forte com a natureza e sua estética, o que reflete diretamente em seu trabalho artístico. Apesar da inspiração clara, Gilvan Nunes não realiza retratos literais de paisagens, mas também prefere não definir as suas pinturas como abstratas e, sim, como uma exposição sugerida, na qual o espectador pode interpretar o que vê a sua maneira. “Gosto de inventar e reinventar a natureza, oferecer uma visão macro. Quero que as pessoas sintam um alívio ao observarem minhas telas.” Começou a pintar ainda na década de 80, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage que, à época, tornou-se o epicentro da retomada da pintura no Brasil. Seu trabalho resulta, frequentemente, da fusão de duas genealogias historicamente opostas: a do fazer manual, de longa tradição nas artes, entendidas como ofícios que dependem, sobretudo da habilidade e do domínio técnico do artista e a do projeto, cujo sentido reside na antecipação da obra pela ideia que tornaria legítima a apropriação de objetos já feitos (Duchamp) e a terceirização do fazer, tal como ocorre na arquitetura e no design. Se por um lado o fazer manual é, portanto, para este artista um modo processual indissociável de seu pensamente artístico e elaboração poética – Gilvan parece pensar com as mãos – ele comumente cria limites para este fazer a partir de procedimentos impessoais como a apropriação, a impressão e a colagem e a assemblage.
Antonio Peticov
Natural de Assis, 2 de julho de 1946 é um pintor, desenhista, escultor e gravurista brasileiro. Autodidata, aos doze anos de idade teve a certeza de que queria trilhar o caminho das artes. E, para alcançar seu objetivo, buscou informações em livros e revistas. Sua formação artística se constitui a partir de pesquisas pessoais sistemáticas em história da arte e pela sua integração aos movimentos artísticos de vanguarda na segunda metade da década de 60. Especializou-se em Geometria Sagrada e na Seção Áurea imprimindo ao seu trabalho um forte caráter matemático. Em 1970 mudou-se para Londres, onde ampliou seus estudos. No ano seguinte, transferiu residência para Milão e, em 1986, mudou-se novamente, desta vez para Nova Iorque, só retornando ao Brasil em 2000. Ao longo de sua carreira seu trabalho foi difundido mundialmente através de capas de discos e de livros assim como calendários, cartões postais e posters, geralmente associado às suas mostras. Especializou-se em Ladrilhamento Periódico e Aperiódico possuindo a maior coleção de jogos matemáticos – quebra cabeças – do Brasil. A sua produção é diversificada e segue tendências variadas das vanguardas artísticas internacionais das últimas décadas. Fez instalações ambientais e murais na Italia, Suiça, Estados Unidos e no Brasil. Dentre eles: Balli Ballet (1982), em Cloudwalk Farm, Connecticut (Estados Unidos) e a escultura The Golden Wall (1988), em forma de grande espiral, em homenagem à cidade de Aiuruoca (Minas Gerais). Faz, no Rio de Janeiro, em 1986, a instalação Sete Anéis. Em 1983 instala “The Big Ladder”, em frente ao Coliseum, em New York. Em 1989, apresenta o Projeto Natura – Rio Pinheiros na 20ª Bienal Internacional de São Paulo e, em 1992, o Projeto Bosque Natura no Rio de Janeiro. Entrega à cidade, em novembro de 1990, o mural “Momento Antropofágico com Oswald de Andrade” na estação Republica do Metrô de São Paulo. Em 1995 entrega à cidade a torre Transburti e outros três murais na estação Santo Amaro da CPTM. Executou posters e capas de livros e discos para os mais variados eventos e artistas, tanto no Brasil como no exterior. Foi presidente da Cooperativa dos Artistas Visuais do Brasil entre 2003 e 2007. É membro da North American Lewis Carroll Society e é um dos “Friends of Martin Gardner” participando, desde 1999, do G4G (Gathering for Gardner). Fundou e dirigiu o NAC – Núcleo de Arte Contemporânea – em São Paulo, entre 1999 e 2006. Em 2016, ao completar 70 anos, abre o Instituto de Arte e Cultura Antonio Peticov.
Adélio Sarro
Conduz seus estudos de forma autodidata. No inicio de sua carreira realiza pinturas e posteriormente utiliza-se de baixos-relevos que executa com mistura de materiais variados, como cimento e colas diversas. Sua primeira exposição individual realiza-se em 1972, em São Bernardo do Campo, no mesmo ano em que recebe seu primeiro prêmio, menção honrosa na 20ª Exposição Coletiva da ABPA. Em 1981 viaja para Tóquio, Japão, para exposições na Japan International Artists Society of Tokio e no Yamakataia Department Store. Entre 1998 e 2000 realiza diversos monumentos para praças públicas de São Caetano do Sul SP.